Alucard’s Gaming Insight Volumen 1:
Alucard Gaming Insight es mi nueva saga de artículos donde verán temas raros y profundos sobre el gaming. Quiero advertir que esta es mi opinión y mis argumentos y que no espero que todo el mundo este de acuerdo con lo que escribo, pero si espero que disfruten este pequeño viaje de gaming freak tanto como yo disfrute haciéndolo.
El tema de hoy se basa en la siguiente pregunta:
¿Por qué los juegos de la era de los 32-128 bit eran tan buenos y porque fueron mas apreciados que lo que son apreciados los juegos de hoy en dia? ¿Qué tenían que los hace tan especiales?
La pregunta como vieron en el titulo de este ensayo trata un tema bastante amplio. Los juegos de dos generaciones (32-64 y 128). Esta interrogante llego a mi mente hace unos días mientras estaba viendo videos de juegos viejos en Youtube y me dio por poner uno de gameplay de Final Fantasy VII. Mi pregunta se contesto sola cuando empecé a ver varios videos de otros juegos de esa época y decidí escribir este ensayo sobre lo que yo pienso que son las razones que hacían de estos juegos unos excepcionales. Voy a dividir mi análisis por partes viendo con detalle los distintos aspectos de un juego y como los desarrolladores bregaron con estos en aquel entonces para hacer esas obras de arte que hoy seguimos admirando.
Final Fantasy VII (PSX)
Grandia 2 (Dreamcast)
Estilo de graficas:
Cuando hablamos de estilo de graficas nos referimos a detalles minúsculos y no a la calidad de estas. Para empezar podemos mencionar que a los desarrolladores de aquel entonces les gustaba mucho utilizar colores opacos y materiales de textura un tanto oscuros para crear los mundos de los juegos (con algunas excepciones claro esta). Imaginemos por un momento la ciudad de Midgar en Final Fantasy VII, La ciudad de Parasite Eve, el mundo de Shadow of the collosus y su predecesor ICO, Racoon City de Resident Evil 2 y 3, Silent Hill, los planetas de Zone of the Enders 1 y 2, Los lugares de Metal Gear Solid 1 2 y 3, Los planetas de Star Fox 64 y Star Fox adventures tan solo por mencionar algunos. La tendencia era hacer lugares que se vieran lo mas post apocalípticos que se pudiese y esto llamaba y llama mucho la atención. Tal vez no todos los lugares de esos juegos estaban destruidos ni formaban parte de una historia post apocalíptica, pero los colores y texturas daban ese toque sombrío y de desolación que hacia que uno se sintiese como si allí estuviera. Entonces a ese nivel, no solo los personajes nos transmitían sentimientos sino que el mismo lugar que explorábamos nos daba esa sensación de misterio mezclado con gusto que nos hacia querer seguir jugando.
Metal Gear Solid 3: Snake Eater (PS2)
Resident Evil 3 (Primero en PS1 la foto es de la version de Dreamcast)
Si este estilo no nos transmitía misterio al menos nos transmitía crudeza dentro de lo que se podía ver en la pantalla. Veamos Tony Hawks Pro Skater 1 y 2. Aquí no se trataba de una historia de acción ni destrucción sino un simple juego de correr patineta pero aunque no lo crean este juego también tenia esos efectos y texturas sombrías y si no me creen sáquenle el polvo a sus juegos viejos o vean un video. Ese estilo de hacer graficas tenia un efecto raro en los jugadores. Este estilo hacia que el juego luciera cool, presentable y llamativo sin tener que utilizar lo que yo denomino “shinny graphics” tampoco habían muchas lucecitas o efectos de partículas todo era “al natural” y nos encantaba.
Musica y Sonidos:
De nuevo en la música y sonidos tenemos un estilo diferente e interesante. Cabe mencionar que una porción de los soundtrack de muchos estos juegos eran una combinación de MIDI y “WAV LOOPS” ya que los efectos modernos de música y sonido aun no habían llegado en su totalidad al menos para la era de los 32-64 bit. La música venia en dos sabores o estilos, teníamos la música movida y motivadora muchas veces una mezcla de tecno y rock que se usaba mucho en los RPGs de la época, la música con adrenalina el tecno puro o drum and bass y la instrumental sinfónica que podía ser desde heroica (Albert Odyssey) hasta tenebrosa (la música de la mansión de Resident Evil). Dentro de estos estilos la magia venia directamente de los compositores por lo cual puedo decir que en el apartado musical lo que ayudaba era la musa creativa de los compositores, fue como una larga buena racha de canciones pegajosas que se nos quedaban en la mente incluso cuando no estábamos jugando. Quien puede olvidar por ejemplo la canción de los menús de Star Fox 64, Mute City de los FZero de la época, la canción de peleas, la canción de Sephirith y la canción de Aeris en Final Fantasy VII, Las canciones relajantes y la del intro de Final Fantasy 8, El tecno de Zone of the Enders, Incluso las canciones de Tony Hawks Pro Skater 1 y 2 que a pesar que eran de bandas pegaban rápido (por ejemplo Superman de la banda Goldfinger).
Tony Hawk’s Pro Skater 2 (PS1, Dreamcast)
Zone of The Enders (PS2)
En sonidos hablare de los voice overs. Estos no eran nada reales y muchas veces eran tan “cheesy” que nos parecía llegar el olor a queso Limburgo cuando escuchábamos frases como “What a mansión!” (RE1) “Give me back Jehuty” (ZOE 2), “You steal men souls, and make them your slaves” (Castlevania SOTN). Eran tonos de voz incorrectos, sobre actuados pero nosotros seguíamos escuchandolos dialogo por dialogo sin que nos importara y despues de escuchar estas conversaciones llenas de “dialogue cheese” entonces era que nos sentábamos a reírnos. Incluso algunos videos tenían actuaciones cheesy para acompañar al dialogo cheesy (valga la redundancia) todavía los amigos mios y yo nos reimos de la presentación de los personajes de Resident Evil 1 (el original) que sale Wesker pasándose la mano por el pelo embarrado en Gel con guille de Fabio y la vocecita “tenebrosa” diciendo “Albert Wesker”. Como dirían los norteamericanos “Its Hilarious!!”.
Estilos de “Storytelling” (historia y desarrollo de trama):
Los estilos de desarrollo de historia y trama eran la parte más fuerte de los juegos de la época. Hay que admitir que era un estilo técnicamente predecible que por decirlo así era (Pedazo de historia A – Conseguir Ítem o pasar por cierto sitio – Pedazo de historia B) y así seguía hasta el final, pero lo que en realidad valía y lo que apreciamos de estas historias era la forma en la que corrían durante todo el juego, me explico. Muchos de estos juegos te iban soltando la trama a cuenta gotas a base de diarios y notas encontradas por ahí. Esto hacia que nosotros usáramos un poquito nuestra imaginación y visualizáramos lo que le podía estar pasando a estas personas cuando escribían estos documentos y eso era muy divertido así que al llegar a un lugar donde había un video o una escena importante de la historia ya estábamos empapados de información referente a lo que allí estaba pasando incluso formando nuestras propias ideas.
Otro estilo de contar historias es el que yo llamo HSCA (Happy Sad Cute Anger). Este estilo era el que nos llevaba en un paseo de montaña rusa por todo el desarrollo del a historia subiéndonos y dejándonos caer y dándonos sorpresas en cada esquina. Aquí se ve de todo, muerte de héroes, escenas románticas pero no “cheesy”, el villano haciendo de las suyas de una manera que le cogemos odio y nos enojamos con este como si fuese una persona real, momentos cómicos de sátiras y cosas que nos hacen reír y los momentos heroicos y emocionantes (donde también habían sorpresas a menudo). Era como que cogíamos el juego y ni nos imaginábamos que era lo próximo que iba a pasar (a menos que viniera un aguafiestas a contarnos y dañarnos la experiencia). Todo este despliegue de emociones en un solo juego solo se puede describir con una palabra “EPICO”.
Parasite Eve (PS1)
Dragon Force (Sega Saturn)
Con estos dos estilos de contar una historia no se necesitaba mas nada y esto vas mucho más allá. Los personajes en su mayoría eran personas comunes con sus defectos y sus problemas siendo esto así, el ser un héroe no significaba que vas a ir por ahí de una manera pseudo-invencible o como dicen por ahí “Bad Ass” y cuando si eras un “Bad Ass” eras uno maduro y no un “showoff” presumido ya que el punto de venta del juego era la trama y no el poner a un personaje como Rambo a matar por ahí a todo el que encuentre aunque sea en realidad un personaje vacio. Volviendo a pensar en todo el aspecto de las historias y tramas creo que en ese momento estaban en su punto, la combinación perfecta. Cabe mencionar tambien que habia un nivel de madurez en estas historias que impresionaba bastante ya que no habian muchas “niñerias” ni historias que parecian cuentos de dormir. Todo estaba cargado de referencias a mitologias, multiples capas de pensamiento y sobretodo personajes con los que nos podiamos identificar a gusto.
Variacion de game play:
La variación de game play era algo impresionante en los juegos de aquel entonces. Muchas veces según la historia lo necesitase, el juego se salía de sus carriles establecidos y hacíamos otras cosas que además de ser interesantes le añadían tiempo al juego. Este material extra podía ser cualquier cosa referente o no a la historia principal pero lo importante es que se salía de los parámetros normales del juego. Por ejemplo el juego podría ser un RPG donde sabemos que el flujo es Pueblito – Dungeon – Historia – Pueblito pero podría ser que de camino a un lugar pasara algo que nos hiciera digamos correr una carrera, apostar en un casino, comprar en una casa de subastas (lo de las subastas viene de Final Fantasy 9). El punto es que eso que vamos a hacer que no forma parte del flujo del juego tendría su recompensa, era divertido y muchas veces se tenía que hacer para poder llegar a otro lugar nuevo. Esto hacia un fino balance ya que el juego no se siente tan lineal pero la historia principal y flujo sigue siendo solido. Hoy en día se esta intentando volver a implementar esto pero lamentablemente si no estamos jugando un Oblivion, Fallout o algún juego asi, lo que nos espera será un “mini game” mongo como excusa para que el juego no se sienta tan monótono.
Menos Censura:
Los juegos de aquella época simple y sencillamente eran libres. Los diálogos tenían la libertad de ser como los escritores querían que fueran sin temor a que le censuraran el juego. Podían expresar un punto de vista social, filosófico y hasta religioso sin que viniese algún llorón a quejarse. Esto hacia que los juegos a nivel de su material e historia fuesen como leer un libro un poco complejo pero divertido. Eran historias sin tapujos sociales y reflejaban lo que deseaban reflejar sin que nadie se quejase. Lamentablemente hoy en día vemos como juegos son hasta atrasados por que un pequeño grupo de llorones se sintió ofendido por una palabra, si así como lo oyen una mísera palabra *cough* Little Big Planet *cough*.
Resumen:
En resumen podemos decir que esta época, estos juegos tenían la combinación perfecta para que la creación de juegos de video sea llamada un arte. Si tuviese que comparar el desarrollo de la industria de los juegos con las etapas artísticas de la pintura y la música diría que esa época de los 32 a los 128 bits fue el barroco de la industria de los juegos ya que fue una época atrevida, sin preocupaciones por la censura (excepto en casos extremos como el notorio “Thrill Kill”) donde todo se valía y se hacia dinero del arte y no de las modas o “trends”. Este fue el punto mas brillante antes de llegar el desastre de los casuales y la censura, las modas y el mainstream tonto y la sobre simplificación de los juegos por el bien de aquellos que son muy vagos de mente (por no decir otra cosa) para aprender. Espero que los que aspiramos a ser desarrolladores de juegos sepamos poco a poco volver la industria a esta era de gloria artística que tanto se disfruto. Gracias por leer y los veré en mi próximo articulo.
